top of page
Videocreación
INVESTIGACIÓN NARRATIVA.Una búsqueda experimental basadas en creaciones artísticas
El proyecto es una investigación artística relato mis sueños imaginarios a través de hacer formas creativas. “Tierra que mece mi travesía”: Es una búsqueda experimental basadas en las creaciones artística cómo camino de vida y transformación personal.
Un proyecto basado en la creación de poesía visual, con la intención de abordar un trabajo de experimentación colectiva como conocimiento. Mi objetivo es relacionar escenografía y poesía. Se desarrolla a partir del cuerpo, espacio, el sentimiento de la escritura experimental. Que encuentro en la cultura popular. El resultado es una composición de mezcolanza artística .Una búsqueda experimental y transformación personal que finaliza en video arte.
Palabras abstractas:
Investigación narrativa, cultura popular, poesía visual.
Summary:
The project is an artistic investigation, I narrate my imaginary dreams making creative forms. "The Earth that sways my journey": It is an experimental search based on artistic creations as a way of life and personal transformation.
A project based on the creation of visual poetry, with the intention of approaching a work of collective experimentation as knowledge. My goal is to relate scenery and poetry. It develops from the body, space and the feeling of experimental writing. Also, what I find in popular culture. The result is a composition of artistic hodgepodge. An experimental search and personal transformation that ends in video art.
Abstract words:
Narrative research, popular culture, visual poetry
Un proyecto basado en la creación de poesía visual, con la intención de abordar un trabajo de experimentación colectiva como conocimiento. Mi objetivo es relacionar escenografía y poesía. Se desarrolla a partir del cuerpo, espacio, el sentimiento de la escritura experimental. Que encuentro en la cultura popular. El resultado es una composición de mezcolanza artística .Una búsqueda experimental y transformación personal que finaliza en video arte.
Palabras abstractas:
Investigación narrativa, cultura popular, poesía visual.
Summary:
The project is an artistic investigation, I narrate my imaginary dreams making creative forms. "The Earth that sways my journey": It is an experimental search based on artistic creations as a way of life and personal transformation.
A project based on the creation of visual poetry, with the intention of approaching a work of collective experimentation as knowledge. My goal is to relate scenery and poetry. It develops from the body, space and the feeling of experimental writing. Also, what I find in popular culture. The result is a composition of artistic hodgepodge. An experimental search and personal transformation that ends in video art.
Abstract words:
Narrative research, popular culture, visual poetry
SOY YO - Maitane Cortés Cortés
Vivimos en una sociedad jerárquica llena de trampas culturales que señala y categoriza desde las primeras bases educativas. Algo tan simple como los términos de “niño” o “niña” generan una confusión que resulta a veces irreversible para la construcción de identidad. Una inequidad injusta desde la que la palabra “diversidad” queda como una falsa ilusión del programa educativo.
La principal necesidad que lleva a realizar este trabajo de campo está fundamentada en el desconocimiento social que existe actualmente hacia el colectivo de personas transexuales. Esa ignorancia como fruto del desconocimiento, nos hace asentar unas premisas erróneas, impregnadas de actos de rechazo y discriminación que dejan enormes secuelas a su paso. Afortunadamente el avance tecnológico y los medios sanitarios dan pasos hacia el logro de su adaptación, pero lo cierto es que, sin la conciencia de educación inclusiva en la sociedad, cualquier colectivo fuera de lo «normalmente establecido» es a priori, una persona desviada. El objetivo por tanto es explorar la transexualidad desde un punto de vista interno para empatizar y conocer la realidad de este colectivo de manera profunda, y comprobar si verdaderamente se cumple ese rechazo social que hipotéticamente es lo que nos ha llevado a realizar la investigación.
Este proceso de estudio metodológico se encuentra dentro del Paradigma Procesual y es puramente Cualitativo, ya que se trata de un estudio de caso. En su diseño, una de las características más destacada es la flexibilidad y la interpretación Álvarez-Gayou, J. L. (2003), Flores, J. G., Gómez, G. R., & Jiménez, E. G. (1999), aunque en esta ocasión va más allá.
Por una parte, entra dentro de un marco de estudio denominado Etnografía, tal y como define Giddens, A. (1995) y resaltan Murillo, J., & Martínez, C. (2010). Pues su contenido presenta el comportamiento y las características particulares de un grupo determinado: «Transexual».
El Enfoque o Razonamiento de esta investigación puede considerarse Inductiva, ya que tiene su origen en la observación de lo más concreto (la experiencia particular de Miriam) para derivarnos a un marco más general a través de la interpretación de los datos Wormald, B. H. G., & Goodwin, W. B. H. (1993). Y su Metodología, está Basada en las Artes puesto que se trata de una investigación que se conduce a través de dos Métodos Artísticos: Escritura Creativa (centrada en la narrativa y el relato) y Artes Plásticas.
Por tanto, desde este marco de estudio etnográfico de investigación basada en artes, se integra un estudio de caso sustentado en la experiencia de vida de una mujer transexual, utilizando varios métodos artísticos: por un lado, la escritura creativa (ahondando en la narrativa de la historia de vida de la protagonista) y por otro, las artes plásticas, profundizando en la expresión de emociones. Es por esto por lo que podemos dar cuenta de que es una investigación basada en artes, puesto que están presentes los métodos artísticos anteriormente mencionados como herramientas de extracción de datos, ofreciéndonos las bases pertinentes para contrastar la premisa previa de la que partimos.
Además, desde este artículo se expresa la justificación, unos breves apuntes sobre la fundamentación, objetivos, y como se ha llevado a cabo todo el proceso metodológico desde diferentes formatos visuales y audiovisuales. Pues desde ellos puede apreciarse a la perfección todo el desarrollo de la investigación realizada.
La principal necesidad que lleva a realizar este trabajo de campo está fundamentada en el desconocimiento social que existe actualmente hacia el colectivo de personas transexuales. Esa ignorancia como fruto del desconocimiento, nos hace asentar unas premisas erróneas, impregnadas de actos de rechazo y discriminación que dejan enormes secuelas a su paso. Afortunadamente el avance tecnológico y los medios sanitarios dan pasos hacia el logro de su adaptación, pero lo cierto es que, sin la conciencia de educación inclusiva en la sociedad, cualquier colectivo fuera de lo «normalmente establecido» es a priori, una persona desviada. El objetivo por tanto es explorar la transexualidad desde un punto de vista interno para empatizar y conocer la realidad de este colectivo de manera profunda, y comprobar si verdaderamente se cumple ese rechazo social que hipotéticamente es lo que nos ha llevado a realizar la investigación.
Este proceso de estudio metodológico se encuentra dentro del Paradigma Procesual y es puramente Cualitativo, ya que se trata de un estudio de caso. En su diseño, una de las características más destacada es la flexibilidad y la interpretación Álvarez-Gayou, J. L. (2003), Flores, J. G., Gómez, G. R., & Jiménez, E. G. (1999), aunque en esta ocasión va más allá.
Por una parte, entra dentro de un marco de estudio denominado Etnografía, tal y como define Giddens, A. (1995) y resaltan Murillo, J., & Martínez, C. (2010). Pues su contenido presenta el comportamiento y las características particulares de un grupo determinado: «Transexual».
El Enfoque o Razonamiento de esta investigación puede considerarse Inductiva, ya que tiene su origen en la observación de lo más concreto (la experiencia particular de Miriam) para derivarnos a un marco más general a través de la interpretación de los datos Wormald, B. H. G., & Goodwin, W. B. H. (1993). Y su Metodología, está Basada en las Artes puesto que se trata de una investigación que se conduce a través de dos Métodos Artísticos: Escritura Creativa (centrada en la narrativa y el relato) y Artes Plásticas.
Por tanto, desde este marco de estudio etnográfico de investigación basada en artes, se integra un estudio de caso sustentado en la experiencia de vida de una mujer transexual, utilizando varios métodos artísticos: por un lado, la escritura creativa (ahondando en la narrativa de la historia de vida de la protagonista) y por otro, las artes plásticas, profundizando en la expresión de emociones. Es por esto por lo que podemos dar cuenta de que es una investigación basada en artes, puesto que están presentes los métodos artísticos anteriormente mencionados como herramientas de extracción de datos, ofreciéndonos las bases pertinentes para contrastar la premisa previa de la que partimos.
Además, desde este artículo se expresa la justificación, unos breves apuntes sobre la fundamentación, objetivos, y como se ha llevado a cabo todo el proceso metodológico desde diferentes formatos visuales y audiovisuales. Pues desde ellos puede apreciarse a la perfección todo el desarrollo de la investigación realizada.
ARTE COMESTIBLE - Jesús Algovi González Villegas
Arte Comestible, happening, arte de acción / eat art, contemporary art.
CYBORG - Cisela Jiménez López
Donna Haraway en su manifiesto Cyborg (1984), propone despojarnos de la matriz para
componernos desde nosotros mismos. Se trata de una visión del mundo en que la
neutralidad e individualidad darían una vuelta de tuerca al panorama actual (Haraway,
1984). Una visión muy transgresora ya que va en contra de los convencionalismos
impuestos por el lenguaje establecido en nuestra sociedad, que presentan dualidades
clásicas como: bueno/malo, rico/pobre, creador/creado, hombre/mujer, etc. Haraway
plantea establecer una nueva realidad sirviéndonos de la tecnología y la informática.
Gracias a nuestros avances tecnológicos podremos convertirnos en Cyborgs, entes
híbridos y recompuestos. La fusión del ser humano y la informática liberan a este de sus
ataduras biológicas para construir un estado de equidad identitaria. El código binario
con el que las computadoras están programadas es un fiel siervo a este propósito, lo
cual plantea una paradoja social: llegar a lo no binario desde lo binario, conseguir la
individualidad desde la dualidad, utilizar la clave antagónica para un resultado opuesto.
La herramienta en este caso es usada para su propia destrucción.
Por otro lado, la publicidad pretende mantener los dualismos, sobre todo en cuanto al
género, muy marcados y evidentes especialmente en los anuncios de perfume. Llevan a
cabo este propósito proyectando un mensaje directo cuyo fin es conseguir ventas. La
publicidad no quiere confundir ni distraer y por lo tanto debe mandar un mensaje
directo.
En cambio, si hablamos de cine podemos comprobar que no se comporta del mismo
modo. Tiene sus propios recursos a la hora de transmitir un lenguaje. No debemos
olvidar que es un tipo de arte y que como tal los impulsos que nos llevan a crear obras
cinematográficas nacen desde nuestra propia motivación. En cierta medida podría
decirse que uno y otro son contrarios, pero la publicidad se apropia de los recursos del
cine en su beneficio.
Esta propuesta pretende mostrar la neutralidad desde la parcialidad, la individualidad
desde la dualidad, desde lo binario, utilizando el lenguaje establecido, el que
conocemos, para transmitir un mensaje contrario. Para ello se ha llevado a cabo la
producción de un audiovisual utilizando los referentes y códigos mencionados, el
concepto Cyborg (aplicado al género), híbrido de humano y máquina, además de los
referentes cinematográficos, su capacidad narrativa y su lenguaje llevado a la
publicidad.
componernos desde nosotros mismos. Se trata de una visión del mundo en que la
neutralidad e individualidad darían una vuelta de tuerca al panorama actual (Haraway,
1984). Una visión muy transgresora ya que va en contra de los convencionalismos
impuestos por el lenguaje establecido en nuestra sociedad, que presentan dualidades
clásicas como: bueno/malo, rico/pobre, creador/creado, hombre/mujer, etc. Haraway
plantea establecer una nueva realidad sirviéndonos de la tecnología y la informática.
Gracias a nuestros avances tecnológicos podremos convertirnos en Cyborgs, entes
híbridos y recompuestos. La fusión del ser humano y la informática liberan a este de sus
ataduras biológicas para construir un estado de equidad identitaria. El código binario
con el que las computadoras están programadas es un fiel siervo a este propósito, lo
cual plantea una paradoja social: llegar a lo no binario desde lo binario, conseguir la
individualidad desde la dualidad, utilizar la clave antagónica para un resultado opuesto.
La herramienta en este caso es usada para su propia destrucción.
Por otro lado, la publicidad pretende mantener los dualismos, sobre todo en cuanto al
género, muy marcados y evidentes especialmente en los anuncios de perfume. Llevan a
cabo este propósito proyectando un mensaje directo cuyo fin es conseguir ventas. La
publicidad no quiere confundir ni distraer y por lo tanto debe mandar un mensaje
directo.
En cambio, si hablamos de cine podemos comprobar que no se comporta del mismo
modo. Tiene sus propios recursos a la hora de transmitir un lenguaje. No debemos
olvidar que es un tipo de arte y que como tal los impulsos que nos llevan a crear obras
cinematográficas nacen desde nuestra propia motivación. En cierta medida podría
decirse que uno y otro son contrarios, pero la publicidad se apropia de los recursos del
cine en su beneficio.
Esta propuesta pretende mostrar la neutralidad desde la parcialidad, la individualidad
desde la dualidad, desde lo binario, utilizando el lenguaje establecido, el que
conocemos, para transmitir un mensaje contrario. Para ello se ha llevado a cabo la
producción de un audiovisual utilizando los referentes y códigos mencionados, el
concepto Cyborg (aplicado al género), híbrido de humano y máquina, además de los
referentes cinematográficos, su capacidad narrativa y su lenguaje llevado a la
publicidad.
EL ARTE EXPANDIDO - Ramon Blanco-Barrera
Hoy en día podríamos entender las prácticas artísticas digitales como todas aquellas producidas ante la iconosfera y el prisma cultural en el que vivimos actualmente. Ya no solo toman parte de ese juego la fotografía o la videocreación, sino muchas más. Esta investigación estudia estas interconexiones, mostrando la expansión del espectro artístico como ente transformador y de cambio en la sociedad a modo de catalizador desde lo colectivo. Concretamente, se exponen tres propuestas artísticas de investigación desarrolladas internacionalmente. Como conclusión, además de todo esto, ensalzamos estas experiencias como metodologías educativas radicales y alternativas.
SHARED BEAUTY - Magdalena Novotná
Acting on the margins, social sculpture, inclusive education, art production, teacher education, gallery and museum education
MAS ALLÁ DE MI BOLSA - Lourdes Cañizares Ortega
Ostomía, estoma, personas ostomizadas, desconocimiento, documental audiovisual y Asociación de Ostomizados de Jaén (AOJA).
PLANEA. Red de Arte y Escuela
PLANEA es una red de centros educativos, agentes e instituciones culturales que se comprometen a utilizar las prácticas artísticas en la escuela pública de manera transversal, situada en los territorios y con vocación de generalización y permanencia. La red se da un plazo de cinco cursos para prototipar, evaluar y recopilar aprendizajes sobre los modos y las formas de producir cambios significativos en los centros educativos, en las consejerías de educación y en su ecosistema más cercano, a través de las prácticas artísticas.
Está impulsada por la Fundación Daniel y Nina Carasso y se articula mediante la mediación en tres territorios: Pedagogías Invisibles (Comunidad de Madrid), PERMEA (Comunitat Valenciana) y ZEMOS98 (Andalucía). La gobernanza y fórmulas de gestión de la red forman parte de este prototipado a cinco años.
La red apuesta por generar tejido en la intersección arte/educación en uno de los principales espacios educadores: la escuela pública. La red reconoce la multiplicidad de iniciativas que ya existen, en contextos de educación formal y no formal, por lo que se propone funcionar con una visión de ecosistema, que cuida, que es (re)generadora de tejido, desde la escucha y la mediación como principios, evitando la superposición o substitución.
Está impulsada por la Fundación Daniel y Nina Carasso y se articula mediante la mediación en tres territorios: Pedagogías Invisibles (Comunidad de Madrid), PERMEA (Comunitat Valenciana) y ZEMOS98 (Andalucía). La gobernanza y fórmulas de gestión de la red forman parte de este prototipado a cinco años.
La red apuesta por generar tejido en la intersección arte/educación en uno de los principales espacios educadores: la escuela pública. La red reconoce la multiplicidad de iniciativas que ya existen, en contextos de educación formal y no formal, por lo que se propone funcionar con una visión de ecosistema, que cuida, que es (re)generadora de tejido, desde la escucha y la mediación como principios, evitando la superposición o substitución.
ESPACIOS CRUZADOS: la proyección como herramienta de conexión artística entre las creaciones del alumnado y del docente en tiempo de confinamiento
El proyecto Espacios Cruzados: la proyección como herramienta de
conexión artística entre las creaciones del alumnado y del docente
en tiempo de confinamiento es el resultado de una investigación
educativa basada en las artes visuales que trata de reubicar el proceso
de aprendizaje desde el flujo de imágenes entre el alumnado/profesor
para construir un discurso visual que conecta y metaforiza lo aprendido y
lo vivido en época de coronavirus.
La narrativa audiovisual que presentamos está construida en base a un
proyecto de educación artística desarrollado durante el periodo de
confinamiento. A partir de referentes artísticos se propuso al alumnado la
creación de imágenes de sus propios cuerpos y de sus hogares que les
permitió crear una nueva imagen de su identidad de estudiante fuera del
aula, relacionada con su ser y su hábitat. Los resultados se trasladaron al
espacio íntimo del docente mediante el uso de la proyección, creando
así un discurso visual cíclico, donde la enseñanza-aprendizaje es
bidireccional, el docente construye, crea, aprende e interpreta en base al
aprendizaje visual del alumno. Se vislumbran así los nuevos espacios
educativos no formales que existen más allá del aula. El hogar y el
cuerpo, pasan a ser los lugares donde los agentes activos de la
educación vuelcan sus experiencias y los transforman en espacios de
aprendizaje e investigación.
La imagen proyectada fue el instrumento metodológico de investigación
utilizado como guión para crear este videoensayo que narra una rutina
compartida entre el estudiante y el docente desde la perspectiva del
cuerpo y del hogar. En él se diluyen los límites entre contexto y
proyección, cuyo interés principal es la inclusión de ambos espacios
polisémicos: el lugar de la proyección y la imagen proyectada. La
coexistencia formal y simbólica de imágenes a priori inconexas da lugar
a atmósferas imprevistas donde espacio y cuerpo quedan fundidos en un
solo plano.
conexión artística entre las creaciones del alumnado y del docente
en tiempo de confinamiento es el resultado de una investigación
educativa basada en las artes visuales que trata de reubicar el proceso
de aprendizaje desde el flujo de imágenes entre el alumnado/profesor
para construir un discurso visual que conecta y metaforiza lo aprendido y
lo vivido en época de coronavirus.
La narrativa audiovisual que presentamos está construida en base a un
proyecto de educación artística desarrollado durante el periodo de
confinamiento. A partir de referentes artísticos se propuso al alumnado la
creación de imágenes de sus propios cuerpos y de sus hogares que les
permitió crear una nueva imagen de su identidad de estudiante fuera del
aula, relacionada con su ser y su hábitat. Los resultados se trasladaron al
espacio íntimo del docente mediante el uso de la proyección, creando
así un discurso visual cíclico, donde la enseñanza-aprendizaje es
bidireccional, el docente construye, crea, aprende e interpreta en base al
aprendizaje visual del alumno. Se vislumbran así los nuevos espacios
educativos no formales que existen más allá del aula. El hogar y el
cuerpo, pasan a ser los lugares donde los agentes activos de la
educación vuelcan sus experiencias y los transforman en espacios de
aprendizaje e investigación.
La imagen proyectada fue el instrumento metodológico de investigación
utilizado como guión para crear este videoensayo que narra una rutina
compartida entre el estudiante y el docente desde la perspectiva del
cuerpo y del hogar. En él se diluyen los límites entre contexto y
proyección, cuyo interés principal es la inclusión de ambos espacios
polisémicos: el lugar de la proyección y la imagen proyectada. La
coexistencia formal y simbólica de imágenes a priori inconexas da lugar
a atmósferas imprevistas donde espacio y cuerpo quedan fundidos en un
solo plano.
TÁLAMO - Andy Retana Bustamante
“Tálamo” es un videoarte experimental resultado de una investigación artística denominada “Colectivo En Fuga,” integrado por artistas de distintas edades, experiencias de aprendizaje y disciplinas artísticas como la danza, las artes visuales y música. Adicionalmente, participan distintas personas especialistas en las áreas de producción audiovisual, animación, diseño sonoro, danza, maquillaje, escenografía, entre otros. El proyecto se desarrolla gracias al Fondo de Iniciativas Interdisciplinarias del Centro de Investigación, Docencia y Extensión Artística (C.I.D.E.A.) de la Universidad Nacional de Costa Rica.
A través de este videoarte experimental desarrollamos cinco ejes conceptuales que nos permitieron problematizar alrededor del cuerpo: construcción de identidades, afectos y conexiones, posthumanismo, postgenerismo, utopías y distopías, nutridos desde distintas perspectivas teóricas. La narrativa de Tálamo llevará a la persona espectadora a viajar por varios mundos conectados por un pasillo, en cada uno de estos, tendrá distintas experiencias a través de su cuerpo. Se explorará la libertad de escoger la apariencia o múltiples apariencias, la vivencia de las emociones y sensaciones, la búsqueda de conexiones con el propio cuerpo y con otros cuerpos a través de relaciones afectuosas, así como la convivencia de múltiples identidades, la búsqueda de la utopía, de la libertad absoluta y el placer. Sin embargo, también se reflexiona sobre los vínculos efímeros, la superficialidad a nivel de imagen de los cuerpos y la censura a nivel sistémico.
En cuanto a la forma de trabajar, desde el punto de vista académico la intención fue descolocar las jerarquías y roles de la institución -académico, estudiante, administrativo- hasta donde fue posible; a través de la responsabilidad, la escucha, el ejercicio de la comunicación asertiva y la proactividad se buscó favorecer una dinámica de trabajo horizontal. La práctica artística fue indivisible del proceso educativo: fue un aprender haciendo, una reflexión constante sobre el aprendizaje colaborativo. La metodología se asentó en la investigación basada en las artes, partiendo del paradigma de intersubjetividad estética, que se refiere a la cualidad del arte como conocimiento, en el tanto se construye con otros. El proceso del proyecto se abordó por etapas superpuestas, porosas y flexibles, manteniendo como constante la incorporación de ajustes con base en las situaciones emergentes regulares en el desarrollo de cualquier proyecto y excepcionales que implicó el Covid-19: formulación del proyecto, integración del colectivo, estudio de insumos y referentes, etapa de ejercicios de exploración y experimentación, análisis de ejercicios, planificación de la propuesta artística, consolidación del equipo de trabajo (incorporación de técnicos y especialistas), desarrollo del videoarte y socialización del proyecto.
A través de este videoarte experimental desarrollamos cinco ejes conceptuales que nos permitieron problematizar alrededor del cuerpo: construcción de identidades, afectos y conexiones, posthumanismo, postgenerismo, utopías y distopías, nutridos desde distintas perspectivas teóricas. La narrativa de Tálamo llevará a la persona espectadora a viajar por varios mundos conectados por un pasillo, en cada uno de estos, tendrá distintas experiencias a través de su cuerpo. Se explorará la libertad de escoger la apariencia o múltiples apariencias, la vivencia de las emociones y sensaciones, la búsqueda de conexiones con el propio cuerpo y con otros cuerpos a través de relaciones afectuosas, así como la convivencia de múltiples identidades, la búsqueda de la utopía, de la libertad absoluta y el placer. Sin embargo, también se reflexiona sobre los vínculos efímeros, la superficialidad a nivel de imagen de los cuerpos y la censura a nivel sistémico.
En cuanto a la forma de trabajar, desde el punto de vista académico la intención fue descolocar las jerarquías y roles de la institución -académico, estudiante, administrativo- hasta donde fue posible; a través de la responsabilidad, la escucha, el ejercicio de la comunicación asertiva y la proactividad se buscó favorecer una dinámica de trabajo horizontal. La práctica artística fue indivisible del proceso educativo: fue un aprender haciendo, una reflexión constante sobre el aprendizaje colaborativo. La metodología se asentó en la investigación basada en las artes, partiendo del paradigma de intersubjetividad estética, que se refiere a la cualidad del arte como conocimiento, en el tanto se construye con otros. El proceso del proyecto se abordó por etapas superpuestas, porosas y flexibles, manteniendo como constante la incorporación de ajustes con base en las situaciones emergentes regulares en el desarrollo de cualquier proyecto y excepcionales que implicó el Covid-19: formulación del proyecto, integración del colectivo, estudio de insumos y referentes, etapa de ejercicios de exploración y experimentación, análisis de ejercicios, planificación de la propuesta artística, consolidación del equipo de trabajo (incorporación de técnicos y especialistas), desarrollo del videoarte y socialización del proyecto.
RECONCILING THE OTHER: Travelling objects and collaborative teaching
A collaborative art education project accomplished in Japan and the Czech Republic focused on the enculturation processes experienced by two teachers and their students, how immersion in visual arts can contribute to cultural understanding, mutual cultural enrichment and the reconciliation of two culturally different pedagogical approaches of art.
This project also addressed this reconciliation with the unknowable ‘Other’ (of a different place and culture) through the creation of artworks, ‘travelling objects’ and collaborative teaching.
Outcomes of this project include similarities of objects from both countries and two divergent pedagogical approaches and suggest that participants strived to reconcile the Other, thus creating spatial and relational intermediate space dealing with those objects and communicating together.
This project also addressed this reconciliation with the unknowable ‘Other’ (of a different place and culture) through the creation of artworks, ‘travelling objects’ and collaborative teaching.
Outcomes of this project include similarities of objects from both countries and two divergent pedagogical approaches and suggest that participants strived to reconcile the Other, thus creating spatial and relational intermediate space dealing with those objects and communicating together.
ICHIJO PROJECT - Moe Iezaki, Shiho Tanaka
Studio-based art practice is a central activity in art education. It encourages exploration of an artist's own expressive forms, as well as enabling mutual learning among participants, through observing their artistic processes. However, in a global pandemic situation, studios in educational institutions have often been closed to students and teachers, due to social distancing regulations. Thus, any practical learning has had to take place in the individuals’ everyday living space. Direct bodies-to-mediums and man-to-man interactions usually experienced through art practices in open studio spaces have been replaced by indirect online interactions in personal closed spaces. The authors of this presentation aim to explore the intermediate space between direct and indirect artistic interaction, using bodies and objects as a possible method of art education that reflects both the imposed living situation as well as utilising the Japanese daily space, as defined by a tatami mat.
Japanese traditional tatami mats are woven from rice straw and laid on the floors. They became popular with the spread of the tea ceremony. These mats are still commonly found in many Japanese homes, usually as discrete room modules. For example, one tatami mat is called ichi jō in Japanese, and the room for the ancient tea ceremony consists of four and a half tatami mats, called yo jō han, as standard. The ichi jō project is set on one tatami mat, being the smallest unit in a participant’s daily room. This project is examined as a case study for an experimental art educational practice. The two participants are both artists, researchers and educators in visual art and contemporary dance. To describe the method of the practice, the space was shared by the two artists in separate visits. First, the visual artist created objects or space compositions, using everyday materials, on the ichi jō in the room. Another day, the second artist visited the tatami mat to provide a physical expression in response to the objects or space composition previously created by the former artist. Next, the visual artist provided three-dimensional expression again in the same space, and then the dancer interacted with the new objects using her body. The project consisted of ten interactions. Video recordings of all the production processes and descriptive records of participants' reflections at each stage of production were collected as research data, also available as material for editing the final video creation.
The characteristics of the space, being different from the specialised studios, evoked personal memories. Materials found in everyday spaces were converted into art objects, which caused feelings of strangeness because of their deviation from daily use. Any discrepancies between the artists' intentions emerged in the interaction process during the final production stage. These were clarified at the video editing stage, being regarded as meta-level reflection and re-creation using the collected data. It was found that both empathy and leap in the direction of production occurred in these intermediate spaces, since the two states of directness (sharing objects) and indirectness (having no face-to-face communication) were required.
Japanese traditional tatami mats are woven from rice straw and laid on the floors. They became popular with the spread of the tea ceremony. These mats are still commonly found in many Japanese homes, usually as discrete room modules. For example, one tatami mat is called ichi jō in Japanese, and the room for the ancient tea ceremony consists of four and a half tatami mats, called yo jō han, as standard. The ichi jō project is set on one tatami mat, being the smallest unit in a participant’s daily room. This project is examined as a case study for an experimental art educational practice. The two participants are both artists, researchers and educators in visual art and contemporary dance. To describe the method of the practice, the space was shared by the two artists in separate visits. First, the visual artist created objects or space compositions, using everyday materials, on the ichi jō in the room. Another day, the second artist visited the tatami mat to provide a physical expression in response to the objects or space composition previously created by the former artist. Next, the visual artist provided three-dimensional expression again in the same space, and then the dancer interacted with the new objects using her body. The project consisted of ten interactions. Video recordings of all the production processes and descriptive records of participants' reflections at each stage of production were collected as research data, also available as material for editing the final video creation.
The characteristics of the space, being different from the specialised studios, evoked personal memories. Materials found in everyday spaces were converted into art objects, which caused feelings of strangeness because of their deviation from daily use. Any discrepancies between the artists' intentions emerged in the interaction process during the final production stage. These were clarified at the video editing stage, being regarded as meta-level reflection and re-creation using the collected data. It was found that both empathy and leap in the direction of production occurred in these intermediate spaces, since the two states of directness (sharing objects) and indirectness (having no face-to-face communication) were required.
PERMEA. Programa Experimental de Mediación y Educación a través del Arte
En los últimos años asistimos a un giro progresivo en las prácticas educativas de los museos y centros de arte del contexto español estrechamente ligado y en cierta forma impulsor de modelos institucionales más abiertos, plurales y experimentales que entienden a la ciudadania como agente estructural de su actividad y no como meros receptores de acciones predefinidas y de escaso contacto con su realidad.
La educación en museos ha pasado de ser una actividad enmarcada en el rígido formato de la visita guiada a desplegarse en multitud de acciones y experiencias orientadas por el concepto y las estrategias de la mediación, entendida ésta no solamente como interfaz de aproximación entre el arte y los públicos sino como campo expandido que abarca las relaciones y conocimientos que cruzan el museo, las interacciones con grupos sociales y con el territorio y la concepción de la institución como dispositivo pedagógico y ciudadano en si mismo.
Los departamentos de educación de museos y centros de arte juegan, bajo este nuevo paradigma, un papel esencial en la configuración de nuevos modos de hacer, en la construcción junto a artistas, comisarios, gestores y otros agentes culturales, de nuevas narrativas institucionales participativas e inclusivas que transiten desde la idea de visitar el museo hacia la de habitarlo.
Este contexto, todavía incipiente, ha puesto de manifiesto la necesidad de profesionales capaces de abordar proyectos que involucren agentes y saberes propios de áreas diversas como pueden ser la pedagogía, la historia y la creación artística pero también las ciencias sociales y experimentales. Y ha puesto también de relieve la inexistencia, en el contexto español, de programas de formación específicos en mediación y educación a través del arte que aborden ésta desde su condición transformada y transformadora.
El Programa Experimental en Mediación y Educación a través del Arte, iniciado en 2018 por el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana en colaboración con la Universitat de Valencia, es un máster que aborda de manera experimental los saberes involucrados en la creación de proyectos de mediación artística tanto en los espacios institucionales del arte y la educación como en otros contextos sociales, desde una perspectiva crítica y al mismo tiempo generadora.
La situación de PERMEA en la institución que lo impulsa y acoge (el Consorcio de Museos) permite aterrizar los discursos del aula en la práctica diaria del centro, generando un eje formación-mediación-institución flexible y permeable en si mismo.
La educación en museos ha pasado de ser una actividad enmarcada en el rígido formato de la visita guiada a desplegarse en multitud de acciones y experiencias orientadas por el concepto y las estrategias de la mediación, entendida ésta no solamente como interfaz de aproximación entre el arte y los públicos sino como campo expandido que abarca las relaciones y conocimientos que cruzan el museo, las interacciones con grupos sociales y con el territorio y la concepción de la institución como dispositivo pedagógico y ciudadano en si mismo.
Los departamentos de educación de museos y centros de arte juegan, bajo este nuevo paradigma, un papel esencial en la configuración de nuevos modos de hacer, en la construcción junto a artistas, comisarios, gestores y otros agentes culturales, de nuevas narrativas institucionales participativas e inclusivas que transiten desde la idea de visitar el museo hacia la de habitarlo.
Este contexto, todavía incipiente, ha puesto de manifiesto la necesidad de profesionales capaces de abordar proyectos que involucren agentes y saberes propios de áreas diversas como pueden ser la pedagogía, la historia y la creación artística pero también las ciencias sociales y experimentales. Y ha puesto también de relieve la inexistencia, en el contexto español, de programas de formación específicos en mediación y educación a través del arte que aborden ésta desde su condición transformada y transformadora.
El Programa Experimental en Mediación y Educación a través del Arte, iniciado en 2018 por el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana en colaboración con la Universitat de Valencia, es un máster que aborda de manera experimental los saberes involucrados en la creación de proyectos de mediación artística tanto en los espacios institucionales del arte y la educación como en otros contextos sociales, desde una perspectiva crítica y al mismo tiempo generadora.
La situación de PERMEA en la institución que lo impulsa y acoge (el Consorcio de Museos) permite aterrizar los discursos del aula en la práctica diaria del centro, generando un eje formación-mediación-institución flexible y permeable en si mismo.
SUPER XOXO Melissa Lima Caminha
La vídeo instalación consiste en la exposición de objetos de la obra Xoxo Clown Show, estrenada en enero de 2020 en Barcelona. El espectáculo es fruto de una investigación basada en las artes, cuyo argumento inicial es parte de la tesis “Payasas: Historias, Cuerpos y Formas de Representar la Comicidad desde una Perspectiva de Género”, defendida en la Universidad de Barcelona en 2016. La instalación está relacionada con el proceso de investigación y creación de la obra, enmarcados en los estudios de género, la cultura visual, las pedagogías culturales y la investigación basada en las artes. Al mismo tiempo, también denuncia la precariedad en la cual artistas-educadoras-investigadoras-madres están sujetas y han de enfrentar para sobrevivir en un circuito doblemente pobre y anti-maternal como es el cultural y académico que marginaliza mujeres y madres. ¿Cómo podemos generar políticas de apoyo a esta figura híbrida y monstruosa que es la de madre-artista-gestora-productora-educadora-investigadora? Hemos de parir en los teatros, en los museos, en las universidades! Hemos de dar la teta y llevar nuestras criaturas a todxs los espacios! Co-responsabilidad! Compromiso social, artístico, cultural e intelectual con la crianza y las madres! La imposibilidad de la obra escénica. La inviabilidad de la presencia de la performer. Proyecto insostenible. Inviable. Amateur. No profesional. Vídeo doméstico y maternal. Proyecto vulgar, obsceno, precario, rechazado. La necesidad de reciclar el proyecto, reaprovecharlo y rehacerlo de otros modos. Nuevas formas de hacerse presente en la precariedad. Hacerse presente y materializarse a través de otras formas narrativas. El xoxo escénico. El xoxo performático. El xoxo instalación. El xoxo invisible. Xoxo mental. Xoxo aura. Xoxo fantasma. Xoxo presente. Xoxo que risiste a invisibilizarse, mostrándose fraccionado, narrándose en los rincones, irradiando energía, sangre y luz cósmica. Pariendo! Dando la luz! Xoxo espíritu, espiritista. Contactando con el más allá. Los nuevos materialismos, los afectos, el ecofeminismo, la performance, el ritual, los cuidados. Marcos epistemológicos y metodológicos para deshacerser a una misma y renacer en nuevas formas y nuevas propuestas artísticas, imagéticas, virtuales, objectuales. El deseo de hacerse contacto. Sea como sea. La dependencia. Las ganas de construir vínculos, de enredarse con otros hilos, xoxos, gritos orgásmicos. De ejercer la maternidad con apego, en comunidad. Deseo de vida digna de ser vivida. Súper xoxo, súper somático! Un grito de risistencia al capitalismo patriarcal.
CUADERNO DE CAMPO
Nuestra propuesta consiste en la creación de una videocreación basada en el proyecto a/r/tográfico Desanestesias desarrollado en la asignatura de Expresión Plástica y su Didáctica del Grado en Magisterio de Educación Primaria de la Universidad de Oviedo desde el pasado curso 2019/2020 hasta el actual. Desde un enfoque radicalmente a/r/tográfico, pasamos a entender la asignatura como una obra de arte, como un happening vivo que va sucediendo en distintos momentos y lugares, y así la construimos durante todo un curso lectivo junto con los estudiantes.
Para el planteamiento del proyecto, partimos de la metáfora de la desanestesia entendiendo la asignatura como un tratamiento para una afección: la anestesia, es decir, la incapacidad de percibir. Utilizamos así la metáfora como detonante del aprendizaje desarrollando una serie de acciones durante el curso para comprobar la eficacia del tratamiento con un componente irónico. Comenzando por la ‘ingesta’ de una serie de píldoras en forma de acciones artístico educativas, acompañadas de varias sesiones de hábitos saludables y rehabilitación. Durante el proceso, el alumnado genera un cuaderno de artista a modo de creación que dialoga con la propia performace.
Proponemos esta videocreación como nuestro propio cuaderno artístico de campo: a partir de la reflexión en torno al proceso de enseñanza-aprendizaje del proyecto basado en las artes, y la creación del prospecto que se elabora a lo largo de la asignatura. Así mismo, incorporamos reflexiones de algunos de los cuadernos de artista realizados por los estudiantes durante el curso como una creación personal que evoluciona y dialoga a través de lenguajes artísticos con el propio proyecto Desanestesias, siendo uno de los síntomas palpables de la eficacia y acción terapéutica del tratamiento.
Presentamos este artefacto no como una conclusión del proyecto, sino como una fase del proceso. En ella pretendemos seguir indagando en torno a estas cuestiones de forma colectiva desde un punto de vista artístico y didáctico, generando una representación audiovisual del proceso. Por ello, continuamos conceptualmente con la línea de creación de Desanestesias a través de la metáfora medicinal como hilo conductor.
Para el planteamiento del proyecto, partimos de la metáfora de la desanestesia entendiendo la asignatura como un tratamiento para una afección: la anestesia, es decir, la incapacidad de percibir. Utilizamos así la metáfora como detonante del aprendizaje desarrollando una serie de acciones durante el curso para comprobar la eficacia del tratamiento con un componente irónico. Comenzando por la ‘ingesta’ de una serie de píldoras en forma de acciones artístico educativas, acompañadas de varias sesiones de hábitos saludables y rehabilitación. Durante el proceso, el alumnado genera un cuaderno de artista a modo de creación que dialoga con la propia performace.
Proponemos esta videocreación como nuestro propio cuaderno artístico de campo: a partir de la reflexión en torno al proceso de enseñanza-aprendizaje del proyecto basado en las artes, y la creación del prospecto que se elabora a lo largo de la asignatura. Así mismo, incorporamos reflexiones de algunos de los cuadernos de artista realizados por los estudiantes durante el curso como una creación personal que evoluciona y dialoga a través de lenguajes artísticos con el propio proyecto Desanestesias, siendo uno de los síntomas palpables de la eficacia y acción terapéutica del tratamiento.
Presentamos este artefacto no como una conclusión del proyecto, sino como una fase del proceso. En ella pretendemos seguir indagando en torno a estas cuestiones de forma colectiva desde un punto de vista artístico y didáctico, generando una representación audiovisual del proceso. Por ello, continuamos conceptualmente con la línea de creación de Desanestesias a través de la metáfora medicinal como hilo conductor.
UNTITLED
In the video, we introduce our project named Untitled. Undated. which is focused on creating and developing animated educational video clips and worksheets with themes and tasks for art education. This project has gained in importance especially during the coronavirus pandemic, when it offered and continues to offer a lot of materials for distance learning of art education.
LA HUELLA DEL PLÁSTICO, una estrategia didáctica sobre ecología basada en la estampación y video mapping
En Europa, el plástico de un solo uso dejará de ser producido a partir de 2040. Hasta entonces seguirá dejando una huella perenne en nuestro planeta, ¿Cómo concienciar a la población sobre este tema? ¿Cómo podemos reivindicar una posición ecológica y social frente a este problema? La educación es sin duda el lugar de la enseñanza en valores que propicia el desarrollo del pensamiento crítico. Es por tanto, fundamental enseñar a reflexionar para propiciar una posición sobre los cambios profundos que afectan a nuestra sociedad en materia ambiental. Esta reflexión se puede llevar a cabo desde múltiples enfoques docentes, sin embargo, la educación artística es la única que permite un acercamiento polifacético y sobre todo sensible ante lo que nos rodea.
Esta video creación presenta los resultados de una investigación educativa basada en las artes acerca de un proceso docente realizado con alumnado del Grado de Educación Social de la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Granada. En la experiencia, el grupo reflexionó sobre la ecología y en particular, sobre el uso excesivo del plástico en la sociedad contemporánea desde un acercamiento artístico basado en la estampación unida al video mapping, acciones artísticas que permitieron al estudiantado aproximarse a este polémico material desde una experiencia estética para posicionarse de una manera reivindicativa.
El proyecto educativo se centró principalmente en la estética de los objetos de plástico de un solo uso y los valores que transmiten mediante la técnica artística de estampación. La acción sucesiva de estampar (característica intrínseca de la técnica y de la cual deviene la sobre-estampación) sobre una fotografía del propio rostro permitió llegar a una imagen de saturación visual que simboliza la superproducción actual del plástico en nuestra sociedad y materializa poéticamente los daños que causa en el planeta y sobre nuestro propio organismo. El montaje reúne el proceso de estampación de cada estudiante en un vídeo/gif y la proyección de los resultados sobre los plásticos recaudados por el alumnado. El resultado es una instalación de video mapping que muestra los vídeos en bucle y que acentúa la metáfora, posicionando al alumnado de manera crítica frente a ella. En consecuencia, la video creación que presentamos es la suma progresiva de cada rostro intervenido, los cuales se suceden uno tras otro en una línea interminable mimetizando y homologando el proceso actual de excesiva producción de plástico a la cual estamos sometidos.
Esta video creación presenta los resultados de una investigación educativa basada en las artes acerca de un proceso docente realizado con alumnado del Grado de Educación Social de la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Granada. En la experiencia, el grupo reflexionó sobre la ecología y en particular, sobre el uso excesivo del plástico en la sociedad contemporánea desde un acercamiento artístico basado en la estampación unida al video mapping, acciones artísticas que permitieron al estudiantado aproximarse a este polémico material desde una experiencia estética para posicionarse de una manera reivindicativa.
El proyecto educativo se centró principalmente en la estética de los objetos de plástico de un solo uso y los valores que transmiten mediante la técnica artística de estampación. La acción sucesiva de estampar (característica intrínseca de la técnica y de la cual deviene la sobre-estampación) sobre una fotografía del propio rostro permitió llegar a una imagen de saturación visual que simboliza la superproducción actual del plástico en nuestra sociedad y materializa poéticamente los daños que causa en el planeta y sobre nuestro propio organismo. El montaje reúne el proceso de estampación de cada estudiante en un vídeo/gif y la proyección de los resultados sobre los plásticos recaudados por el alumnado. El resultado es una instalación de video mapping que muestra los vídeos en bucle y que acentúa la metáfora, posicionando al alumnado de manera crítica frente a ella. En consecuencia, la video creación que presentamos es la suma progresiva de cada rostro intervenido, los cuales se suceden uno tras otro en una línea interminable mimetizando y homologando el proceso actual de excesiva producción de plástico a la cual estamos sometidos.
ARTE Y SOCIEDAD. DEL ESPECTÁCULO LUMÍNICO AL DISCURSO.
En el contexto de una sociedad cada vez más ávida de discursos artísticos en el ámbito de
lo público, a menudo se tiende más a democratizar esos relatos artísticos trasladándolos a
un lenguaje multidisciplinar que da juego a la creatividad de nuevos artistas, expresándose
a través de eventos ricos y diversos tanto en formato como en la mirada y las formas de
hacer.
Tal es el caso de intervenciones lumínicas donde intervienen elementos performáticos que a
la vez aglutinan todo un espectro expresivo y creativo nutriéndose de la danza o expresión
corporal, la música, la pintura, la escultura, el diseño, la imagen, el sonido, las nuevas
tecnologías y un largo etc. de posibilidades artísticas adaptadas a un espectáculo común
donde la luz es el principal exponente.
lo público, a menudo se tiende más a democratizar esos relatos artísticos trasladándolos a
un lenguaje multidisciplinar que da juego a la creatividad de nuevos artistas, expresándose
a través de eventos ricos y diversos tanto en formato como en la mirada y las formas de
hacer.
Tal es el caso de intervenciones lumínicas donde intervienen elementos performáticos que a
la vez aglutinan todo un espectro expresivo y creativo nutriéndose de la danza o expresión
corporal, la música, la pintura, la escultura, el diseño, la imagen, el sonido, las nuevas
tecnologías y un largo etc. de posibilidades artísticas adaptadas a un espectáculo común
donde la luz es el principal exponente.
Metodologías artísticas de enseñanza y didáctica de la lengua inglesa en contextos plurilingües.
En el marco del Proyecto de Innovación Metodologías artísticas de enseñanza en contextos plurilingües: creación, cultura, lengua y educación, del Grupo "Arte y Didáctica" (ARDID) coordinado por Paloma Palau Pellicer y Anna Marzà Ibàñez, llevamos a cabo acciones artísticas con más de 200 alumnos/as de 2º y 3º curso del Grado en Maestro o Maestra de Educación Infantil. La exposición audiovisual Forms de Santiago Vilanova, del proyecto Display, integrado en la nueva Aula de Innovación Artística del Servei d'Activitats Socioculturals de la Universitat Jaume I de Castellón, se convierte en un espacio de experimentación que favorece la interacción entre lenguajes.
Durante dos semanas, en pequeños grupos, el alumnado desarrolla una propuesta artística a partir del lenguaje visual y musical tomando como referencia el proyecto de arte sonoro del artista. Diseñamos acciones artístico-pedagógicas en torno a la obra de arte con las Metodologías Artísticas de Enseñanza caracterizadas por proponer el contacto directo con obras de arte contemporáneo. A partir de acciones que implican las poéticas que usan los artistas contemporáneos, estimulamos a los participantes a actuar tal y como actúa un artista profesional, manipulando y transformando los materiales, asociando ideas dispares, elaborando un resultado artístico. Lo peculiar de esta metodologías es que el contenido y el método comparten el mismo lenguaje visual. Generando productos finales que no sean ejercicios escolares, sino obras de arte contemporáneo que están basadas en el conocimiento adquirido y los procedimientos de artistas, directamente relacionados con la creación artística contemporánea.
El origen del proyecto parte de la demanda de formación específica del profesorado pues la legislación valenciana requiere la docencia en inglés de, al menos, un área no lingüística en todos los centros de primaria y el 76% de los centros ha optado por impartir el área de expresión artística (plástica) en dicha lengua. En los últimos años muchas de las personas que se encargaban de impartir esta área han dejado de hacerlo, puesto que no cuentan con la titulación lingüística necesaria, y los maestros y maestras que han asumido su docencia manifiestan, en general, que cuentan con una formación insuficiente en didáctica de las artes plásticas. Tomando como referencia estos datos recogidos seguimos en contacto con maestras/os en seminarios permanentes de formación, en el marco de los proyectos del Plan de Promoción de la Investigación de l’UJI 2019, Transformando la educación artística en inglés en el contexto Valenciano y el proyecto I+D Metodologías de intervención social basadas en artes visuales: creación cultural y educación (2020-2023) coordinado por Ricardo Marín Viadel y Joaquín Roldán de la Universidad de Granada.
Durante dos semanas, en pequeños grupos, el alumnado desarrolla una propuesta artística a partir del lenguaje visual y musical tomando como referencia el proyecto de arte sonoro del artista. Diseñamos acciones artístico-pedagógicas en torno a la obra de arte con las Metodologías Artísticas de Enseñanza caracterizadas por proponer el contacto directo con obras de arte contemporáneo. A partir de acciones que implican las poéticas que usan los artistas contemporáneos, estimulamos a los participantes a actuar tal y como actúa un artista profesional, manipulando y transformando los materiales, asociando ideas dispares, elaborando un resultado artístico. Lo peculiar de esta metodologías es que el contenido y el método comparten el mismo lenguaje visual. Generando productos finales que no sean ejercicios escolares, sino obras de arte contemporáneo que están basadas en el conocimiento adquirido y los procedimientos de artistas, directamente relacionados con la creación artística contemporánea.
El origen del proyecto parte de la demanda de formación específica del profesorado pues la legislación valenciana requiere la docencia en inglés de, al menos, un área no lingüística en todos los centros de primaria y el 76% de los centros ha optado por impartir el área de expresión artística (plástica) en dicha lengua. En los últimos años muchas de las personas que se encargaban de impartir esta área han dejado de hacerlo, puesto que no cuentan con la titulación lingüística necesaria, y los maestros y maestras que han asumido su docencia manifiestan, en general, que cuentan con una formación insuficiente en didáctica de las artes plásticas. Tomando como referencia estos datos recogidos seguimos en contacto con maestras/os en seminarios permanentes de formación, en el marco de los proyectos del Plan de Promoción de la Investigación de l’UJI 2019, Transformando la educación artística en inglés en el contexto Valenciano y el proyecto I+D Metodologías de intervención social basadas en artes visuales: creación cultural y educación (2020-2023) coordinado por Ricardo Marín Viadel y Joaquín Roldán de la Universidad de Granada.
TRES EJERCICIOS NARRATIVOS Angel Cagigas
La construcción narrativa es un elemento esencial de cualquier trabajo docente y creativo pues implica la estructura que lo fundamenta. La aplicación docente de un modelo basado en la construcción narrativa a través de la creación audiovisual conlleva un trabajo integral elaborado en varias fases: en la primera fase se concreta una idea, se reúne material, se analiza, se discute y se redacta un guión literario; en una segunda fase éste se convierte en las secuencias del guión técnico que se plasman en el rodaje; y en una tercera fase se hace el montaje del metraje definitivo, que tras la postproducción de imagen y sonido da lugar a la narrativa final. Este proceso de trabajo implica una formación global que abarca aspectos dispares como la búsqueda de información, la escritura, el manejo de cámaras y micros,
los programas de edición de imagen y sonido, las nuevas tecnologías y la creatividad. Aquí se presentan tres ejemplos de este modelo realizados en la Universidad de Jaén, tres producciones creadas por alumnado del Grado de psicología, del Máster en análisis crítico de las desigualdades de género y del Máster de investigación y educación estética.
los programas de edición de imagen y sonido, las nuevas tecnologías y la creatividad. Aquí se presentan tres ejemplos de este modelo realizados en la Universidad de Jaén, tres producciones creadas por alumnado del Grado de psicología, del Máster en análisis crítico de las desigualdades de género y del Máster de investigación y educación estética.
(im) PERFECTAS (s) Luisa Maria del Aguila
Video grabación (duración 34:17) de la performance (im) PERFECTA (s) realizada en la Pecera Negra de la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Málaga el 30 de mayo de 2019 junto al grupo de estudiantes de la asignatura Educación Social a través del Arte, a partir del análisis reflexivo y emocional de nuestras relaciones con los cánones de belleza, de comportamiento, rendimiento, intelectuales, psicológicos y otros que la sociedad que conformamos trata de imponernos con un éxito que, como reconocemos a lo largo del proceso, nos avergüenza, incomoda, hiere y somete en demasiadas ocasiones.
bottom of page