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Installation
Plumk! prácticas artísticas feministas para la mejora de la implicación - Sata García Molinero
Plumk! es investigación, arte y educación.
Un proyecto que nace desde el happening para introducir las prácticas artísticas socialmente comprometidas en la educación artística superior. Acción, provocación e improvisación.
Es un método para generar conocimiento crítico de una manera colectiva y demostrar que la educación artística debe ir de la mano con las prácticas contemporáneas. Transformar el espacio educativo en un espacio de creación, a la alumna en una creadora, las entregas en piezas y los ejercicios en proyectos. Sentirse formar parte de algo.
Hacer desde la investigación, el arte y la educación algo útil. Sacar a la luz a todas aquellas disidencias eclipsadas por la vigente historia del arte. Cuestionarnos si somos nosotras las que perpetuamos esta situación. Mirar a nuestro alrededor. Desmovilizar las estructuras hegemónicas. Poner cara y nombre a las problemáticas. Compartir perspectivas. Construir en conjunto. Exponer y exponerse.
En esta instalación se propone un recorrido visual y narrativo por algunas de las sesiones llevadas a cabo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid donde se ha puesto en práctica este método contando con estudiantes de 3o y 4o de grado y Máster.
Un proyecto que nace desde el happening para introducir las prácticas artísticas socialmente comprometidas en la educación artística superior. Acción, provocación e improvisación.
Es un método para generar conocimiento crítico de una manera colectiva y demostrar que la educación artística debe ir de la mano con las prácticas contemporáneas. Transformar el espacio educativo en un espacio de creación, a la alumna en una creadora, las entregas en piezas y los ejercicios en proyectos. Sentirse formar parte de algo.
Hacer desde la investigación, el arte y la educación algo útil. Sacar a la luz a todas aquellas disidencias eclipsadas por la vigente historia del arte. Cuestionarnos si somos nosotras las que perpetuamos esta situación. Mirar a nuestro alrededor. Desmovilizar las estructuras hegemónicas. Poner cara y nombre a las problemáticas. Compartir perspectivas. Construir en conjunto. Exponer y exponerse.
En esta instalación se propone un recorrido visual y narrativo por algunas de las sesiones llevadas a cabo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid donde se ha puesto en práctica este método contando con estudiantes de 3o y 4o de grado y Máster.
#Sinprofesores - Ricard Ramon Camps y Amparo Alonso Sanz
La propuesta consiste en una instalación fotográfica que muestra el desarrollo de una experiencia pedagógica. La instalación se estructura en cuatro categorías temáticas, expuestas en cuatro cuerdas de tender en un sentido poético-simbólico:
• Instrumentos de conocimiento artístico.
• Interacciones entre alumnado.
• Creación de escenografies-Caracterizaciones.
• Aprender haciendo-Resultados de aprendizaje.
Esto se conecta con la tradición mediterránea de tender la ropa que forma parte del entorno íntimo cotidiano en espacios públicos o semi-públicos, lo que lo convierte en una frontera entre lo público y lo privado, lo personal y lo social, que se conecta también con los procesos educativos que se desarrollan en las aulas. Además, la instalación refleja esa forma muy transversal y cambiante de la propia acción que exponemos. En coherencia con ella, las lecturas que se establecen son múltiples; la instalación se podría ir variando, alterando el orden y la disposición de las fotos en las cuerdas, sin que se alterara el sentido global, todo lo contrario, se enriquecería.
Esta actividad se desarrolló en las instalaciones de la antigua escuela de Magisterio, donde actualmente se imparte el Máster en Profesor/a de Educación Secundaria durante el curso académico 2018-2019. Como docentes de la especialidad de dibujo de este Máster, propusimos un encuentro pedagógico entre 3 grupos de estudiantes del Grado de Maestro/a de Primaria y 2 grupos del Máster, en torno a 200 personas. Durante unas 4 h. compartieron una experiencia de enseñanza-aprendizaje vinculada a las artes. Era fundamental generar una acción educativa de estas características para cubrir por una parte las carencias artísticas del alumnado de Magisterio y por el otro reforzar la capacidad pedagógica del alumnado del Máster.
El espacio se dividía en diferentes ambientes, ocupándose dos aulas, y otros espacios exteriores del edificio. A su vez cada uno de estos lugares contaba con distintos rincones donde se agrupaban unos equipos de enseñantes (alumnado del Máster) y aprendices (alumnado del Grado).
El desarrollo del proyecto precisó de varias semanas de preparación por parte de quienes enseñaban. Todo ello mediante procesos de consenso en asambleas y reparto de responsabilidades por roles. Decidieron que para enmarcar la actividad en un campo simbólico se haría rotar a quienes aprendían entre espacios ambientados en el pasado, el presente y el futuro. Necesitaron diseñar escenografías y caracterizaciones, así como construirlas. Además, elaboraron talleres con previsión y compra de materiales e instrumentos necesarios.
En la última sesión, durante el desarrollo de los talleres, lograron aprender haciendo. El futuro profesorado de secundaria aprendió el rol docente enseñando. Mientras que el futuro profesorado de escuelas aprendió técnicas artísticas por parte de especialistas de las bellas artes, la arquitectura y la restauración.
En definitiva, una experiencia donde nosotros, sus formadores, desempeñábamos un papel secundario, como guías y acompañantes. Unas clases sin profesores.
• Instrumentos de conocimiento artístico.
• Interacciones entre alumnado.
• Creación de escenografies-Caracterizaciones.
• Aprender haciendo-Resultados de aprendizaje.
Esto se conecta con la tradición mediterránea de tender la ropa que forma parte del entorno íntimo cotidiano en espacios públicos o semi-públicos, lo que lo convierte en una frontera entre lo público y lo privado, lo personal y lo social, que se conecta también con los procesos educativos que se desarrollan en las aulas. Además, la instalación refleja esa forma muy transversal y cambiante de la propia acción que exponemos. En coherencia con ella, las lecturas que se establecen son múltiples; la instalación se podría ir variando, alterando el orden y la disposición de las fotos en las cuerdas, sin que se alterara el sentido global, todo lo contrario, se enriquecería.
Esta actividad se desarrolló en las instalaciones de la antigua escuela de Magisterio, donde actualmente se imparte el Máster en Profesor/a de Educación Secundaria durante el curso académico 2018-2019. Como docentes de la especialidad de dibujo de este Máster, propusimos un encuentro pedagógico entre 3 grupos de estudiantes del Grado de Maestro/a de Primaria y 2 grupos del Máster, en torno a 200 personas. Durante unas 4 h. compartieron una experiencia de enseñanza-aprendizaje vinculada a las artes. Era fundamental generar una acción educativa de estas características para cubrir por una parte las carencias artísticas del alumnado de Magisterio y por el otro reforzar la capacidad pedagógica del alumnado del Máster.
El espacio se dividía en diferentes ambientes, ocupándose dos aulas, y otros espacios exteriores del edificio. A su vez cada uno de estos lugares contaba con distintos rincones donde se agrupaban unos equipos de enseñantes (alumnado del Máster) y aprendices (alumnado del Grado).
El desarrollo del proyecto precisó de varias semanas de preparación por parte de quienes enseñaban. Todo ello mediante procesos de consenso en asambleas y reparto de responsabilidades por roles. Decidieron que para enmarcar la actividad en un campo simbólico se haría rotar a quienes aprendían entre espacios ambientados en el pasado, el presente y el futuro. Necesitaron diseñar escenografías y caracterizaciones, así como construirlas. Además, elaboraron talleres con previsión y compra de materiales e instrumentos necesarios.
En la última sesión, durante el desarrollo de los talleres, lograron aprender haciendo. El futuro profesorado de secundaria aprendió el rol docente enseñando. Mientras que el futuro profesorado de escuelas aprendió técnicas artísticas por parte de especialistas de las bellas artes, la arquitectura y la restauración.
En definitiva, una experiencia donde nosotros, sus formadores, desempeñábamos un papel secundario, como guías y acompañantes. Unas clases sin profesores.
El Fotoensayo como recurso metodológico para el estudio de las emociones en la investigación educativa a través del Teatro. María Méndez Suárez y y Ruth Marañón Martínez de la Puente
La propuesta que se lanza es una instalación fotográfica que recoge de manera metafórica y simbólica el proceso de aprendizaje a través de las emociones, los sentimientos y los estados anímicos. El trabajo de campo se ha desarrollado en la Escola de Artes de la Universidade de Évora (Portugal) con alumnos de segundo curso de Artes Escénicas. Mediante una Investigación Basada en las Artes Visuales (fotografía) se han registrado las etapas de ese proceso de aprendizaje transformador, a través del cuerpo y el espacio, donde se han desarrollado los distintos ensayos produciéndose diversas situaciones que han dado pie a múltiples aprendizajes.
La creación de instalaciones interactivas basadas en la ‘Projection-Based Augmented Reality’ [Realidad Aumentada Basada en la Proyección] como estrategia para la enseñanza de las artes visuales desde una perspectiva Artográfica de Lara-Osuna, Rocío
Actualmente, los principales medios utilizados en las aulas para mostrar contenidos didácticos están basados las tecnologías de la imagen. Sin embargo, no se aprovecha completamente su potencial, especialmente para la enseñanza de las artes visuales.
Ejemplo de ello son los sistemas de proyección presentes en la gran mayoría de recintos de todos los niveles educativos. Su utilización queda limitada a mostrar contenidos dirigidos a complementar el discurso del/la docente y a ser consumidos por el alumnado.
Sin embargo, en el ámbito artístico, la realidad es bien distinta: creadoras y creadores contemporáneos de todo el mundo se están valiendo de las posibilidades de este tipo de tecnologías para transformar la realidad y ampliarla con la introducción de contenidos visuales, lo que se conoce como ‘Projection-Based Augmented Reality’ (PBAR) [Realidad Aumentada Basada en la Proyección].
Esta situación revela dos problemáticas:
La primera, la falta de formación en el uso de los medios tecnológicos presentes en las aulas, la cual deriva en un uso automático de los mismos sin que exista un análisis y comprensión de sus posibilidades.
La segunda, el abismo que aún existe entre el diseño de propuestas educativas para la enseñanza de las artes visuales y piezas artísticas contemporáneas.
La comunicación-instalación que aquí se propone pretende mostrar una posible solución a estas problemáticas a través de la creación de una pieza artística basada en la interacción y creación directa con estas tecnologías. El objetivo es crear un espacio de aprendizaje activo, una especie de laboratorio de experimentación cuyo producto sea una auténtica pieza de ‘PBAR’.
Esta instalación deriva del estudio propuestas didácticas del artista granadino José Val del Omar (1904-1982) en relación a la utilización de las tecnologías de la imagen en el aula y de la aplicación enfoques metodológicos como la Investigación Educativa Basada en las Artes (Barone & Eisner, 1997) o la Artografía (Triggs & Irwin, 2019), los cuales buscan igualar los roles de docentes y artistas.
La singularidad de esta instalación es que las imágenes expuestas no han sido creadas previamente, sino que serán generadas por las y los visitantes. Esta estrategia pretende establecer una comparativa entre el papel desempeñado por parte de las y los docentes y el de las y los artistas, haciendo hincapié en que su labor es la de facilitar los medios para el aprendizaje y comprensión por parte de alumnos/as y espectadores/as; pero que finalmente el verdadero conocimiento se construye con la participación activa y comunicación de todas las partes implicadas.
REFERENCIAS:
Barone, T., & Eisner, E. W. (1997). Arts-based educational research. En Complementary methodsd of research in education (pp. 95-109). https://doi.org/10.1016/0883-0355(95)91500-G
Triggs, V., & Irwin, R. L. (2019). Pedagogy and the A/r/tographic Invitation. En R. Hickman, J. Baldacchino, K. Freedman, E. Hall, & N. Meager (Eds.), The International Encyclopedia of Art and Design Education (pp. 1-16). John Wiley & Sons, Inc. https://doi.org/10.1002/9781118978061.ead028
Ejemplo de ello son los sistemas de proyección presentes en la gran mayoría de recintos de todos los niveles educativos. Su utilización queda limitada a mostrar contenidos dirigidos a complementar el discurso del/la docente y a ser consumidos por el alumnado.
Sin embargo, en el ámbito artístico, la realidad es bien distinta: creadoras y creadores contemporáneos de todo el mundo se están valiendo de las posibilidades de este tipo de tecnologías para transformar la realidad y ampliarla con la introducción de contenidos visuales, lo que se conoce como ‘Projection-Based Augmented Reality’ (PBAR) [Realidad Aumentada Basada en la Proyección].
Esta situación revela dos problemáticas:
La primera, la falta de formación en el uso de los medios tecnológicos presentes en las aulas, la cual deriva en un uso automático de los mismos sin que exista un análisis y comprensión de sus posibilidades.
La segunda, el abismo que aún existe entre el diseño de propuestas educativas para la enseñanza de las artes visuales y piezas artísticas contemporáneas.
La comunicación-instalación que aquí se propone pretende mostrar una posible solución a estas problemáticas a través de la creación de una pieza artística basada en la interacción y creación directa con estas tecnologías. El objetivo es crear un espacio de aprendizaje activo, una especie de laboratorio de experimentación cuyo producto sea una auténtica pieza de ‘PBAR’.
Esta instalación deriva del estudio propuestas didácticas del artista granadino José Val del Omar (1904-1982) en relación a la utilización de las tecnologías de la imagen en el aula y de la aplicación enfoques metodológicos como la Investigación Educativa Basada en las Artes (Barone & Eisner, 1997) o la Artografía (Triggs & Irwin, 2019), los cuales buscan igualar los roles de docentes y artistas.
La singularidad de esta instalación es que las imágenes expuestas no han sido creadas previamente, sino que serán generadas por las y los visitantes. Esta estrategia pretende establecer una comparativa entre el papel desempeñado por parte de las y los docentes y el de las y los artistas, haciendo hincapié en que su labor es la de facilitar los medios para el aprendizaje y comprensión por parte de alumnos/as y espectadores/as; pero que finalmente el verdadero conocimiento se construye con la participación activa y comunicación de todas las partes implicadas.
REFERENCIAS:
Barone, T., & Eisner, E. W. (1997). Arts-based educational research. En Complementary methodsd of research in education (pp. 95-109). https://doi.org/10.1016/0883-0355(95)91500-G
Triggs, V., & Irwin, R. L. (2019). Pedagogy and the A/r/tographic Invitation. En R. Hickman, J. Baldacchino, K. Freedman, E. Hall, & N. Meager (Eds.), The International Encyclopedia of Art and Design Education (pp. 1-16). John Wiley & Sons, Inc. https://doi.org/10.1002/9781118978061.ead028
"Cerca del ritmo: la experiencia sensorial, expresiva y musical de escuchar" de Antonio Félix Vico Prieto
(INSTALACIÓN PRESENCIAL)
Cuando no te vea, soñaré contigo de Leticia Vazquez
Esta intervención nace en el marco del congreso “Seamos radicales. INSEA2021”
La propuesta de intervención cuyo título “Cuando no te vea, soñaré contigo” se inspira en la ciudad baezana que acogerá el congreso en la edición 2021. El título hace refe- rencia a una famosa cita de Antonio Machado, que como todos sabemos, se refugió en la ciudad tras la terrible pérdida de su esposa Leonor.
Para la propuesta hemos reducido al máximo uno de los elementos identi cativos de la portada del Palacio de Jabalquinto, la punta de diamante, uno de los máximos expo- nentes del estilo gótico isabelino en la localidad, mandado construir a nales del siglo XV por Juan Alfonso de Benavides, primo segundo de Fernando el Católico.
Recrearemos una pared repleta de puntas de diamante realizadas con vinilo adhesivo de cuatro colores: verde, azul, rosa y morado.
La propuesta de intervención cuyo título “Cuando no te vea, soñaré contigo” se inspira en la ciudad baezana que acogerá el congreso en la edición 2021. El título hace refe- rencia a una famosa cita de Antonio Machado, que como todos sabemos, se refugió en la ciudad tras la terrible pérdida de su esposa Leonor.
Para la propuesta hemos reducido al máximo uno de los elementos identi cativos de la portada del Palacio de Jabalquinto, la punta de diamante, uno de los máximos expo- nentes del estilo gótico isabelino en la localidad, mandado construir a nales del siglo XV por Juan Alfonso de Benavides, primo segundo de Fernando el Católico.
Recrearemos una pared repleta de puntas de diamante realizadas con vinilo adhesivo de cuatro colores: verde, azul, rosa y morado.
El manto que me arropa de Sánchez-Aranegui, Mónica Desirée
Algunas experiencias que vivimos son tan dolorosas, que resulta muy difícil expresarlo con palabras. El arte nos permite acercarnos a nuestras emociones de una manera más libre y a la vez, más profunda, pudiendo llegar a capas de nuestro inconsciente que han quedado ocultas para la mente consciente. Pero no sólo nos referimos al arte en este caso por su función terapéutica, sino a la posibilidad que nos brinda de mostrar y contar aquello que sentimos y vemos que ocurre a nuestro alrededor. A la vez, desarrollamos un pensamiento crítico, lo que hace que la formación con arte sea más completa para el desarrollo del individuo. Este uso, y no solo como consumidores de arte, es fundamental en la formación del estudiantado en educación. Como futuros y futuras agentes de cambio, contar con un abanico más amplio de herramientas, hace que los recursos en los que basar su docencia, sea más completa.
El empleo del arte como forma de expresión y comunicación se ha empleado desde el inicio de nuestra civilización. Las primeras manifestaciones datan de hace más de 44.000 años. La necesidad de comunicarse siempre ha estado presente en el ser humano. Lo que cambia es el contenido conceptual, que se amolda a cada etapa y circunstancias históricas. Actualmente, vivimos en una etapa convulsa donde las víctimas por violencia de género no desaparecen. Nuestra sociedad necesita sensibilizarse ante estas acciones violentas, empatizar y reforzar valores que contribuyan a la igualdad, inclusión y la no violencia. Una de las formas por las que optamos a contar lo que ocurre, manifestar los derechos fundamentales y expresar nuestra rabia y dolor, es a través de la creación artística. Cada vez más, surgen los movimientos contrarios ante esta situación de violencia, manifestándose de forma pacífica. Haciéndonos eco de todo esto, se propone la realización de acciones concretas dentro de la facultad de formación de profesorado y educación en la Universidad Autónoma de Madrid.
La obra resultante consiste en una instalación-Performance, realizada a partir del resultado de un taller realizado con el alumnado del grado en primaria, donde se intervenían camisetas con motivo del 25N. Después fueron expuestas en los pasillos de la facultad y, poco después, las encontramos en las papeleras y rajadas. Ante ese acto de violencia, se cosieron juntas, a modo de capas, y se hicieron nuevas camisetas, expuestas en el hall de entrada de la facultad a modo de tendero.
El empleo del arte como forma de expresión y comunicación se ha empleado desde el inicio de nuestra civilización. Las primeras manifestaciones datan de hace más de 44.000 años. La necesidad de comunicarse siempre ha estado presente en el ser humano. Lo que cambia es el contenido conceptual, que se amolda a cada etapa y circunstancias históricas. Actualmente, vivimos en una etapa convulsa donde las víctimas por violencia de género no desaparecen. Nuestra sociedad necesita sensibilizarse ante estas acciones violentas, empatizar y reforzar valores que contribuyan a la igualdad, inclusión y la no violencia. Una de las formas por las que optamos a contar lo que ocurre, manifestar los derechos fundamentales y expresar nuestra rabia y dolor, es a través de la creación artística. Cada vez más, surgen los movimientos contrarios ante esta situación de violencia, manifestándose de forma pacífica. Haciéndonos eco de todo esto, se propone la realización de acciones concretas dentro de la facultad de formación de profesorado y educación en la Universidad Autónoma de Madrid.
La obra resultante consiste en una instalación-Performance, realizada a partir del resultado de un taller realizado con el alumnado del grado en primaria, donde se intervenían camisetas con motivo del 25N. Después fueron expuestas en los pasillos de la facultad y, poco después, las encontramos en las papeleras y rajadas. Ante ese acto de violencia, se cosieron juntas, a modo de capas, y se hicieron nuevas camisetas, expuestas en el hall de entrada de la facultad a modo de tendero.
Exhumaciones de Santana Molina, Jorge Nicolás
El proyecto escultórico Exhumaciones hace referencia a la materialización del espacio liminal entre la materia viva y la inerte. Mediante la técnica del vaciado y usando como moldes cajas de cartón y otros objetos cotidianos, las esculturas son producidas mezclando materiales solidificantes como yeso y concreto con materias orgánicas como papel, fruta y otros comestibles. Las sustancias orgánicas al podrirse generan hongos, bacterias y larvas que penetran en el resto de la materia creando zonas de transición entre lo vivo y lo inerte.
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